色彩造境，心象独白，当代意象青年艺术家--吴可

吴可，女，毕业于四川美术学院，现定居海外，长期从事油画创作。其艺术实践以油画为主要媒介，持续探索色彩、抽象形式、感知经验与内在精神世界之间的关系。

2010年，吴可参加上海第十四届艺术博览会（Shanghai Art Fair 2010），其《天使有爱》《夜晚的顺序》《三月天》等十幅油画作品被法国D.A.C.画廊（Demenga Art Collection）收藏。

2011年，吴可的四个整版油画作品发表于《中国油画》杂志2011年第2期，并在雅昌艺术网开设个人艺术家官方网站。2012年1月，其第二本个人油画作品集《吴可·油画》由天津人民美术出版社出版。该画集特邀《中国油画》杂志主编、天津人民美术出版社副总编辑、中国油画学会理事王琨撰写评论文章。

近年来，吴可持续活跃于中国当代艺术展览及艺术市场。2021年4月，她接受艺术频道“名家风采——吴可·油画作品”专题采访；2021年7月，正式签约UMX·ART，成为NFT签约艺术家。2021年11月，其作品《漫·No.2》入选“新高地2021——中国抽象艺术家邀请展”，作品入选《壬寅年拍卖日历年鉴》，并凭《漫·No.1》入选“疫情时代的自画像2021——国际艺术家自画像邀请展”。

2022年1月，其作品《漫·No.7》入选第四届国际抽象艺术网络展；2022年2月，其作品《漫·No.1》入选“一半一半——2022年中国当代艺术作品展”；2022年3月，其作品《漫·No.5》入选“惊蛰化新——2022年中国当代艺术作品展”。2022年1月，吴可在四川米颠府画廊举办个人展览“吴可炫动色彩——意向油画展”。

吴可的作品曾多次参加国内艺术品拍卖，并取得较为突出的市场成交记录。2021年5月，在北京御宝嘉和国际拍卖中，其油画作品《异境宣言》及《漫·No.6》分别以人民币69,000元成交；2021年10月，其作品《偶像的下午茶》在翰海秋季艺术品拍卖中以人民币74,750元成交；2023年5月，其作品《漫·No.9》在国丰福德2023春季艺术品拍卖中以人民币95,000元成交。（相关拍卖数据均来自雅昌艺术网拍卖数据库。）

吴可的作品曾被法国画廊及国内外私人藏家收藏，并多次参加国内外艺术展览及艺术品拍卖。目前，她持续进行油画创作与当代艺术实践。

——吴可：艺术不是为了表达艺术家，而是为了让每一个人在作品中重新遇见自己

很多人第一次看到我的作品时，都会问我同一个问题："你到底画的是什么？"

坦白地说，我很少给出一个明确的答案。

不是因为故作神秘，而是因为我越来越相信，一件真正完整的艺术作品，并不存在唯一的解释。当它离开画室，进入观看者的世界，它便开始拥有属于自己的生命。

每一个人都会带着不同的人生经历、情感记忆和生命体验站在作品面前，因此，同一幅画，在不同的人眼中，往往会呈现出截然不同的面貌。

有人看见童年的阳光，有人感受到成长中的孤独；有人想起一段早已遗忘的记忆，也有人在画面中重新获得面对生活的勇气。

这些反馈，并不是我事先设想好的。

恰恰相反，它们让我逐渐意识到，真正完成一件作品的，不只是创作者，更是每一位观看它的人。

也正因为如此，我始终不愿意为自己的作品设定一个固定的答案。

我更希望，它们能够成为一种开放的存在。

作品不是为了替观众表达什么，而是成为一种媒介，帮助每一个人与自己的内心重新建立连接。

或许，这也是我持续创作至今最重要的动力。

毕业于四川美术学院后，我一直坚持油画创作。从早年的具象探索，到后来的意象表达，再到如今更加开放的视觉语言，我始终没有刻意追随某一种风格，也没有试图迎合市场对于艺术的期待。

相比于寻找一种"成功的表达方式"，我更关心的是：作品是否仍然保有生命力。

近年来，我长期旅居海外。

不同文化之间的交流与碰撞，让我逐渐意识到，人们生活的环境可以不同，语言可以不同，文化背景也可以不同，但对于生命、情感、孤独、希望、爱与自由的感知，却始终具有某种共通性。

也正是在这样的生活体验中，我越来越关注那些属于人类共同经验的情感。

我希望自己的作品能够超越语言和文化的限制，以色彩、节奏、肌理和意象，建立一种更加直接、更具感知性的交流方式。

很多人会发现，我的画面中常常出现若隐若现的人脸、动物、植物，或者自然界的一部分。

这些形象并不是预先设计好的视觉符号。

事实上，在开始创作之前，我很少会为一幅作品制定完整的方案。

更多时候，我只是安静地站在画布前，顺着一种内在的直觉，让画面慢慢生长。

色彩如何流动，线条如何延展，人物是否出现，动物会不会进入画面，这些都不是经过理性推演得出的结果，而是在创作过程中自然发生的。

很多人问我："为什么这里会出现一张脸？为什么那里留下一片空白？"

我常常回答："我不知道。"

因为真正推动创作的，并不是一个可以被完整解释的逻辑，而是一种直觉，一种创作过程中不断生成的生命经验。

我愿意尊重这种直觉，而不是急于为它寻找一个确定的答案。

也许正因为如此，我的作品既不是纯粹意义上的抽象绘画，也不是传统意义上的具象再现。

它们更像是一种介于现实与内心之间的视觉空间。

那些若隐若现的形象，为观看者留下进入画面的入口；而开放的色彩关系与自由的空间节奏，则让每一个人都能够依据自己的生命经验完成属于自己的观看。

在我看来，艺术真正重要的价值，并不在于艺术家表达了多少，而在于作品是否能够激活观看者内在的感知。

如果一件作品只能讲述艺术家的故事，那么它的生命仍然是有限的。

真正有生命力的作品，应当能够不断进入不同的人生，在不同的人身上产生新的意义。

我希望自己的作品能够成为这样的存在。

它们不是标准答案，也不是某种观念的图解。

它们更像是一片可以容纳不同生命经验的空间。

每一个人来到这里，都能够找到属于自己的情感回应。

这或许也是我一直坚持意象表达的重要原因。

相比于准确描绘一个对象，我更关心如何营造一种氛围，一种情绪，一种能够引发观看者内在联想的精神空间。

色彩因此成为我最重要的语言。

它不仅属于视觉，也属于情绪；不仅构成画面，也塑造观看者的心理体验。

我希望，每一种颜色都能够拥有自己的呼吸，每一道肌理都能够保留创作时最真实的生命痕迹。

我相信，真正打动人的艺术，从来不是技巧本身，而是作品中所蕴含的生命温度。

未来，我依然希望保持这样的创作状态。

不急于定义自己，不急于迎合潮流，也不急于追求快速传播。

相比于短暂的关注，我更期待自己的作品能够拥有更长久的生命。

我希望它们能够进入不同的文化语境，与来自不同国家、不同年龄、不同背景的人发生连接。

如果有一天，一位从未认识我的观众，因为一幅作品而重新想起自己的童年；因为一片色彩而获得片刻宁静；因为画面中的一个细节重新理解自己，那么我相信，这件作品已经完成了它真正的使命。

艺术于我而言，从来不仅仅是一种表达。

它更是一种相遇。

一种人与自己相遇、人与他人相遇、人与世界重新建立连接的方式。

而我所能做的，只是持续创作，持续倾听，持续相信色彩所拥有的力量。

因为我始终相信：

艺术不是为了表达艺术家。

艺术真正的意义，在于让每一个人，都能在作品中重新遇见自己。